Kim, Soonim

Nanyun Stones; The space 41-Namwon,2011

2012-05-03T15:00:05+09:00

The Empty Cocoon; The Space 45, Jalasum, 2012

2012-04-25T16:46:13+09:00

The Empty Cocoon ; The Space 45 ? Jalasum 2012

          꼬물꼬물 땅을 기다
          잃어버린 땅이 차서
          스스로 집을 짓고 기다리던 이가
          나비가 되어 떠났다.
          이 얼어버린 곳에 꽃을 찾으러…
          꽃은 이곳에 없다.

2012 자라섬 국제바깥미술전

A Rolling Wooden Board;space 50, AR Festival with Sonamoo gallery, Paju, 2012

2012-05-03T13:07:45+09:00

어디서 굴러먹던 판자데기

A Rolling Wooden Board;space 50, AR Festival with Sonamoo gallery, Paju, 2012

2012.3.28 동그랗고 예쁜 나무판을 수원에서 만났다.

다음날부터 그 예쁜 나무판을 내 자동차 앞에 붙이고 함께 여행을 시작하였다.

곳곳을 다니는 23일 동안 우리는 따스한 햇살도 만나고,

비도 만나고, 안개도 만나고,

새벽 이슬도 만나고,

4월의 눈도 4월의 우박도 만나고,

거친 바람도 만나고,

황사도 만나고,

자동차매연도 만나고,

구름사이 눈부신 태양도 만난다.

판떼기와 28일간의 여행

3/28 수원 눈에서

3/29 수원 북수동 -서울 북가좌동- 인천 효성동

3/30 효성동-대관령면 횡계리-양평군 옥천면-효성동

3/31 효성동

4/1 효성동

4/2 효성동-인천 병방동- 광명시 일직동-병방동-효성동

4/3 효성동-서울 대픙동-북가좌동-병방동-효성동

4/4 효성동-병방동-북가좌동-서울 동대문동-이문동-수송동-사직동-북가좌동-병방동-효성동

4/5 효성동-병받동-북가좌동-효성동

4/6 효성동

4/7 효성동-병방동-북가좌동-한남동-방아동 오륜동-서초동-일산서구 구산동-효산동

4/8 효성동

4/9 효성동-병방동-광명시 일직동-병방동-효성동

4/10 효성동-병방동- 대현동- 북가좌동- 병방동 효성동

4/11 효성동-병방동- 북가좌동-서초3동-북가좌동-병방동-효성동

4/12 효성동-병방동-북가좌동-병방동-효성동

4/13 효성동-병방동-북가좌동-병방동-효성동

4/14 효성동

4/15 효성동

4/16 효성동-병방동-광명시 일직동-변방동-효성동

4/17 효성동-병방동-대흥동-북가좌동-병방동-효성동

4/18 효성동-병방동-북가좌동-서울시 필동 3가

4/19 필동3가-북가좌동-대흥동-병방동-효성동

4/20 효성동-병방동-북가좌동-파주주시 문발동

기억과 통섭, 혹은 김순임의 설치예술 by 유명종

2012-05-02T17:53:17+09:00

기억과 통섭, 혹은 김순임의 설치예술

김순임의 설치예술은 문학적이며 동시에 철학적이다. 돌과 양털과 솜과 광목 실은 그의 예술의 핵심 소재이다. 김순임은 이 소재들을 때로는 연결하고 때로는 독립시켜 설치예술을 완성한다,. <어디서 굴러먹던 돌맹이> 연작이 기억에 관한 탐색이라면 <The Space>는 가벼움과 무거움, 따뜻함과 차가움, 음과 양의 통섭을 추구하는 작품이다, 이제 그의 작품 속으로 들어가 보자.

시인 조지훈은 '돌에도 피가 돈다'고 했다. 사람의 예술혼을 자연에 새긴 석굴암을 두고 한말이다. 피가 돈다는 표현은 문학적 과장이지만 사실 시각을 좀 더 넓혀 생각하면 자연의 이치에 대한 깊은 통찰력으로 건져 올린 깨달음의 언어이다. 지구가 생명의 어머니임을 인정한다면, 지구가 살아있는 하나의 푸른 별임을 받아들인다면, 지구의 품에 안긴 모든 것은 살아있는 생명인 까닭이다.

설치예술가 김순임에게 돌은 예술적 표현의 핵심소재이다. 그의 <어디서 굴러먹던 돌멩이> 연작은'장소성'에 대한 사유에서 얻은 설치 작품이다. 그는 서울에서, 공주에서, 마카오에서 , 하천에서, 숲에서 주은 돌을 전시 공간으로 옮겨와 작품을 완성한다. 다음과 같은 작가의 말은 김순임이 지향하는 예술적 주제를 암시하고 있다. "돌멩이들, 강에선 강의 모습으로, 숲에선 숲의 모습으로, 도시에서 지친 도시의 모습을 하고 있다. 모든 돌은 그 곳을 함께 구르는 사람을 닮았다." 작가는 돌을 사람처럼 의인화하여, 돌이 품은 기억과 돌에 깃든 이야기와 돌이 보았을 풍경을, 다시 말해 독립된 생명으로서의 돌의 시간과 공간을 재구성한다. 그의 다른 작업인 <The Space>에도 양모는 구름처럼 떠 있고, 돌은 땅 가까이에 있다. 천장에서 내려온 광목 실이 돌과 양모를 이어주고 있다. 양털은 부드럽고 따듯한 것이다. 그것은 여성일 수도, 자궁일수도 있다. 반대로 돌은 차갑고 무겁다. 그것은 남성을 상징하는 것으로 읽힌다. 그러니까 그의 작업은 음과 양이 만나야 비로소 완성된다. 돌과 양털은 이질적인 존재 같지만 넓게 보면 이분법적으로 존재하는 게 아니라 서로 스며들고 통섭하는 것임을, 그것이 자연과 세상의 이치임을, 김순임은 말하고 싶은 것일까? 사람과 사람 사이에 섬이 아니라 다리가 놓인 통섭의 세계, 돌과 양털 사이에 단절이 아니라 길이(광목 실이) 존재하는 공간. 김순임이 꿈꾸는 세계는 이렇듯 따듯하고 아름답다.

소백산 줄기 경북 풍기에서 태어난 김순임은 이화여대와 같은 대학 대학원에서 조소를 전공했다. 지금까지 미국 버몬트, 뉴욕, 서울, 인천, 부산, 마카오에서 아홉 번의 개인전을 가졌다. 한국 문화예술위원회가 수여하는 아르코 영아트 프론티어상을 수상했으며, Freeman Asian Award Full Fellowship Winner (버몬트), 파라다이스 문화재단 신진 작가, 서울 시립미술관 신진작가, 소마미술관 드로잉센터 전시 지원작가로 선정되었다.

유명종(문화평론가)

생 날 씨앗들 Review by Gim Jong-gil

2012-05-02T17:51:05+09:00

김순임 -생 날 씨앗들

대안공간 눈 3.2-29

1980년 금강 자연미술제가 이듬해인 1981년, 야투 야외현장미술 연구회로 출범했을때 우리가 아는 미술은 거기 없었다.창립을 주도했던 임동식은 "그리지 않는 방법으로 금강에서의 느낌이나 생각을 표현" 하라고 했다. "야투는 자연과의 신선한 접촉을 통하여 야외미술을 연구하는 모임으로 자연에 대한 강한 사랑을 바탕으로 그의 순리적 변화, 무한한 넓이와 그 두께, 그 가운데 모든 생명력을 예찬한다."는 야투의 선언문. 한데, 나는 김순임의 작품에서 야투의 미학적 특질을 읽는다. 그는 그 스스로 자연미술가임을 자처한적도 없고 자연미술 미학을 궁극의 목표로 삼는 미술가도 아니다. 그가 '그리는 방법'과 '만드는 방법'을 모른것도 아니고 또한 그 방법론이 미학적 세계와 얼마나 긴밀하게 연결되어 있는지도 잘 안다. 그러나 그는 '그리고 만드는 방법'이 미학을 선취하거나 더 상승 시킬 것이라 생각하지 않는 듯 하다. 오히려 익숙한 창작 방법론이 자유로운 예술관을 옭아 맬 수 있고 작품세계를 부자연스럽게 변질시킬 것이라 생각한다. 그래서 그가 취한 방법이 '영매(靈寐 shaman)'와 에테르 공간(空間, The Ethereal Space)'이다. 물질적 육체에 생명을 부여하는 영적 매개자로서의 그와 그런 그가 생명을 부여하는 모궁(母宮)으로서의 공간(작업실). 이번 전시는 거기서 출발한다. 그는 이번 전시를 '김순임의 생날 씨앗들'이라 명명했다. "나는 내 일이 '여행하는 농사꾼'이라 생각한다. 곳곳에 감추어진, 우리 주변에서 흔하게 볼 수 있는 것들을 찾아내 발견하고, 그것을 돌보기도, 가꾸기도, 양분을 주어 성장시키기도 하며 열매를 기다렸다가 나누어 먹는 사람"이라는 뜻이다. 그의 작업실에 가 본 사람들은 알 것이다. 그의 작업실은 마치 누에의 고치집 같은, 거미의 거미줄 같은,이미지 창조와 생산이 발아하는 공간임을, 그리되 그림에 속박되지 않고 만들되 조각에 속박되지 않는 무수한 '그리고 만들기'의 흔적이 공간에 가득하다. 나는 이렇게 말한 바 있다. "그는 마치 그 공간에서 십수 년을 수행해 온 작가인양' '공간의 시간성'을 무수히 싹틔웠다. 썩은 나무에 기생하는 수십 수백의 버섯처럼 '시간성'은 하나가 아니라 여럿으로 기생했다. 그는 그 공간에서 스스로 에테르체이자 에테르간이 되었다." 우리 미학에 생생지리(生生之理)'의 개념이 있다. 모든 생물이 생기고 번식하는 자연의 이치를 뜻한다. 그는 그의 몸을 나무의 몸으로 치환한 듯 하다. 전시장의 모든 작품은 생생지리의 미학적 증거물처럼 싱싱하게 현존하고 있기 때문이다. 나무의 가지는 사유의 시간성을 상징한다. 크고 작은 가지들의 마디마디가 작업실이라는 공간에 붙어 있었다. 담쟁이 넝쿨처럼 붙어서 그것들은 숭고한 미학적 은유가 되었다.

김종길.경기도미술관 교육팀장

Weaving Stones with stones by Alice Kok

2012-05-02T17:47:21+09:00

Weaving Space with stones

Korean Kim Soon-im’s artist-in-residence exhibition “Mind Space” at the Ox Warehouse

By Alice Kok

Invited by the Ox Warehouse to be an artist-in-residence, Korean artist Kim Soon-im has arrived in Macau for one month and has been preparing her solo exhibition at the Ox Warehouse gallery for March. For the exhibition of “Mind Space”, Kim Soonim has collected more than 200 pieces of stones from Mong-Ha hill at the back of the Ox Warehouse in order to create an installation at the gallery.

In fact, for the past eight years, Kim Soonim has been collecting stones for installation works from many different places in Korea, America and Europe for a project entitled “I meet with Stones”. For her, stones carry their own memories. And they are like people whom she encounters.

“They talk to me about the places they come from.” She says. “In Macau, the stones I find are often mixed with concrete or are broken. They have lots of stories to tell.” In this way, Kim Soonim invites us to ponder our urbanized stones from Mong-ha Hill, now suspended urbanized stones from Mong-ha Hill, now suspended by straight lines of cotton threads from the ceiling of the gallery, in front window which leads to the place where they came from.

As a sculptor, Kim Soonim works with forms and space and she is gifted with the skills and spirit of a weaver. Cotton and wool fall into her hands and are transformed into pieces of thread, fabric and sculptures installed delicately in a specific architectural or open-air space. “Everything is made by touch,” she says. “I love the material and the texture.”

Brought up in the mountain countryside of South Korea, Kim Soonim’s sensitivity towards nature has developed into a body of artistic expressions involving raw materials such as stones, cotton, wool.

“I use hot water to boil the wool and then press the water out. This creates masses of wool on which I create portraits through needle works. The portraits are the people whom I have encountered.” Showing the wool portrait sculpture that she has brought From Korea to Macau, she says, “ This is my grandmother. I drew her face from memory and then I used a needle to sculpt on the woolen-ball.”

Cosidering the delicate methods that Kim Soonim use to create her installation pieces, it is all the more impressive and touching to appreciate the powerful scenes of her installations, which often involve large numbers of stones and masses of cotton. In the simple statement of “I Meet with Stones”, the artist brings nature as a witness of her journey, embracing every detail of life as it is. Every time she collects a stone, she puts hercamera on the very spot where she finds it, and takes an image from it, showing what appears to be the vision of the stone just before she picks it up. In some of her previous installations, she has let visitors choose a stone and if they are able to find the corresponding image from its original location, they can take it home and start their own encounter with the stone.

In Macau, Kim Soonim has chosen to use cotton thread to lift the stones from the ground. Uplifting the raw material from the earth to the “Mind Space”, the suspending stones create a field of shapes and space for contemplation. The holistic approach of Kim Soonim in her research on spaces is not only physical, but also spiritual and most of all perhaps, environmental.

“I love to touch nature’s elements, especially stones. Before I bring them to the gallery, nobody pays much attention to them, but when I put them in an installation space, people watch and love to see them. It is a way to let people find out why they like them perhaps,” she smiles.

Weaving Space with Stones

Korean Kim Soonim’s artist in residence /

exhibition ‘Mind Space’ at the Ox Ware House

By Alice Kok (Artist, a freelance writer)

From Monthly Macau Closer Mar. 2011

옥스웨어하우스의 레지던시 프로그램에 초청되어 한 달 전 마카오에 도착한 한국인 작가 김순임은 이곳에서 3월에 열릴 개인전을 준비 중이다. 김순임은 그동안 <마인드스페이스>전의 설치작업을 위해 옥스웨어하우스 뒤편에 위치한 몽하 언덕에서 200개가 넘는 돌멩이를 채집해 왔다.

사실 김순임에게 돌멩이를 줍는 행위는 새로운 것이 아니다. 그녀는 ‘어디서 굴러먹던 돌멩이’라는 프로젝트의 설치작업을 위해 지난 8년간 한국, 미국과 유럽의 여러 장소에서 돌멩이를 모아왔다. 그녀에게 돌이란 것은 각자 자신의 기억을 간직하고 있고, 또한 그녀가 마주치는 사람들과도 흡사하다.

그녀는 이렇게 말한다. “돌은 자기가 어디에서 왔는지에 대해 이야기해 준답니다. 마카오에서 제가 발견한 돌멩이 중에는 콩크리트와 엉켜있거나 깨진 것들이 많아요. 거기에는 수많은 이야기들이 담겨 있죠.”

그 돌멩이들은 이제 창문을 통해 보이는 그들이 처음 발견되었던 장소를 배경으로 미술관 천장으로부터 수직을 이루며 면실 끝에 매달려 있다. 김순임은 이와 같은 방식으로 몽하 언덕에서 온 우리들의 도시화된 돌들에 대해 곰곰이 생각해 보도록 권유하고 있다.

김순임은 조각가로서 형태와 공간을 다루는 동시에 방직공의 기술과 정신으로 작업하는 작가이다. 무명과 양모는 그녀의 손을 통해 특정한 건축공간 또는 실외공간에 정교하게 설치된 실, 천 그리고 조각물로 변신한다.

“모든 것은 손길을 통해서 만들어지죠.” 그녀는 말한다. “저는 재료와 질감을 아주 좋아해요.”

한국의 산골에서 자라난 김순임은 특유의 자연적 감수성으로 인해 돌, 무명, 양모 등 가공되지 않은 재료를 이용한 일련의 예술적 표현을 발전시킬 수 있었다.

“저는 끓는 물에 양모를 삶은 다음에 물을 꼭 짜버립니다. 이렇게 하면 양모 덩어리들이 만들어지는데 저는 거기에 바느질을 해서 얼굴상을 만든답니다. 제가 만드는 얼굴들은 제가 마주친 적이 있는 사람들의 것이에요.” 한국에서 가져온 양모로 만든 얼굴상을 보여주면서 그녀는 말한다. “이건 제 할머니에요. 기억을 되살려서 할머니 얼굴을 그린 다음에 양모 덩어리에 바느질을 해서 얼굴상을 만들어냈죠.”

김순임은 섬세한 방식으로 설치작업을 하지만 완성된 작품은 대개 엄청난 규모의 돌멩이와 솜 덩어리를 이용한 강렬한 광경으로 깊은 인상과 감동을 안겨 준다. ‘어디서 굴러먹던 돌멩이’라는 투박한 표현이 시사하듯이 그녀는 자연을 자신의 여정에 대한 목격자로 여기면서 삶의 가장 작은 부분까지도 있는 그대로 받아들이는 태도를 보인다. 그녀는 돌멩이를 채집할 때마다 그것이 발견된 바로 그 자리에 카메라를 갖다 놓고 돌멩이로 보여지는 이미지를 촬영한 후에야 그것을 줍는다. 과거 몇몇 전시에서 그녀는 관객에게 돌을 하나 고르라고 한 후, 그것이 원래 발견되었던 장소에서 촬영한 이미지를 맞추면 그 돌을 집에 가져가도 좋다고 한 적이 있다. 그렇게 함으로써 그녀는 관객 스스로 돌과의 조우를 시작하기를 바랬던 것이다.

마카오에서 김순임이 선택한 방법은 면실을 사용해 돌멩이를 바닥에서 들어올리는 것이다. 땅으로부터 ‘마인드스페이스’로 들어올려진 자연의 재료인 돌멩이들은 형태들의 공간을 마련하고 사색의 기회를 제공한다. 공간에 대한 탐색에 있어 김순임이 취하는 전체론적 접근법은 단지 물질적일 뿐만 아니라 영적이며, 아마 무엇보다도 환경적이라고 봐야 할 것이다.

“저는 자연적 요소, 특히 돌멩이를 만지는 것이 좋아요. 미술관에 갖다 놓기 전에는 아무도 돌멩이 같은 것에는 관심을 갖지 않지만 그것이 설치공간에 놓여지면 사람들은 그것을 바라보고, 좋아해요. 어쩌면 사람들은 그런 기회를 통해서 자기가 왜 돌멩이를 좋아하는지를 알게 되는지도 모르죠.” 그녀가 미소 지으며 말한다.

Ethereal: extremely light and delicate; heavenly by Gim Jong-gil

2012-05-02T15:25:36+09:00

Ethereal: extremely light and delicate; heavenly

- A few thoughts on aesthetic ether in Kim Soon-im’s art

By Gim Jong-gil (Art Critic)

1. Extreme symbolic words

Kim Soon-im’s artistic pilgrimage has been recorded in her solo shows. Her work’s artistic fragrance, radiated

through her pilgrimage, is sensed in the subjects of her solo exhibitions: The Ethereal Space (2007); The Unknown F

ace of God (2007); I meet with stone (2008); Ethereal (2008); The Thread, the Memory (2009), The Forest of Strayer (

2010); and Mind Space (2011). Of these subjects ‘Ethereal’ draws special attention. The word ‘ethereal’ means

extremely light and delicate, and heavenly. An artist’s work cannot be defined in a single word.

If an ‘ethereal body’ can be called an ‘ether body’, and ‘ethereal space’ can be called ‘ether space’, the meaning of a ‘medium’ lending life to material form can be applied to ‘ethereal’. The medium brings life to space as a material form. The medium refers to the space surrounding a work of art or the space where a work of art is placed, and indirectly to an artist. Kim’s aesthetic attitude was presented at her first solo show. Kim is like a shaman as a medium. In this sense ‘the ethereal space’ is the womb of birth, old age, sickness and death where a work of art comes into being, is displayed, deconstructed, and disappears, and ‘ethereal’ is an extreme symbolic word a work of birth and death carries.

2. Sublime aesthetic metaphors

In 2011 Kim Soon-im participated in the OCI Museum of Art artist-in-residence program. Her work for the program

is a continuation of Ethereal. While joining several domestic and overseas artist-in residence programs, she has lived

a nomadic life for a few years. In her work physical places and spaces have incessantly changed as she freely

planned projects and explored different subjects. Kim is amazingly well adapted to changing her places of work. The

most salient work Kim showed through the residency program is the ‘studio-space’ itself. Like an artist who has

worked for several decades in the space, she sprouts ‘temporality of space’. This ‘temporality’ is parasitic in the way

mushrooms parasitize rotten trees. The artist herself becomes an ‘ethereal body’ or ‘ethereal space’. Character

drawing transcribing the text of Laozi’s Tao Te Ching, faces produced in wool felting, work traces including charcoal

drawings and body modeling show how she addresses her time. I think her ‘ethereal body’ and ‘ethereal space’ can

be compared with trees and nature. This can be formalized as the following:

Nature: ethereal space: studio / tree; ethereal body: artwork (or artist)

Her body is the body of a tree. Temporality of thinking becomes the branches of a tree. Small and large twigs are

placed on the walls of a studio. Covered like ivy, they are sublime aesthetic metaphors.

3. A lark with a concept

Where is ‘ethereal’ as an aesthetic metaphor born? I think this derives from ‘a lark’. What is ‘a lark’? It is ‘doing’ in

‘doing art’. ‘Doing’ means ‘doing something’ and ‘something’ here depends on the seed of imagination. ‘Doing’ also

means ‘a game or a play’ as a process. Kim’s lark is a game playing with imagination.

Kim I met at her studio is constant. Her artistic attitude seemed to be maintained through ‘relationships with others’.

I felt myself as ‘some person’ in such a relationship, not as a viewer. I also felt I was absorbed into her time. To

become a clown or a shaman may mean to become an artist. Kim begins her work after setting a stage for a game

in her studio.

‘Doing art’ does not pursue any concrete result or some physical property. ‘Doing art’ is just for itself. It may bring

about unexpected results. At this point we can ask what art is. I consider this related to a lark or a game. This may

be a game with or without concepts. An indigenous attribute of art lies in this lark.

4. Seems to be existent and non-existent

Lee remembers a day when her mother changed her bedding as a young child. She recalls cotton and cotton cloth.

Lee also remembers wool bedclothes that offered her warmth when she stayed in an overseas artist-in residence. Lee

produces her work in the way of her grandmother and mother: stitching that allows her to look at herself. Lee gives

birth to her family members, those who she has met during her travels, and those who she has met in dreams.

Made of cotton, cotton cloth, and wool, they seem to be existent and non-existent.

The worlds of people (faces), stones, needles, twigs, and thread are extremely light and vulnerable. The worlds were real but are now recorded in memories. The memory is a mental function working in the interior of the consciousness, based on current presence and experience. Kim enters or constructs a world of memories as if to analyze the principles and nature of memories. I would like to call her aesthetic ether a ‘philosophy of memories’. As ‘reviving an individual’ can be seen from the perspective of a struggle for memories, we may call an artist’ memories of an individual incident a ‘symbolic struggle’. If so, we can read Kim’s philosophy of memories as a symbolic struggle. We cal also extract the concepts of the memory, subject, image, and similarity from these philosophical roots.

“Each represented face is extremely individual and universal. I work with those I have met during the process of my growth. As they resemble someone, they remind viewers of someone they know. In other words, they are those whose names I remember, and simultaneously those who can soothe someone’s heart by being someone for them.”

ethereal : 지극히 가볍고 여린 ; 천상의

- 김순임 예술의 미학적 에테르(ether)에 관한 몇 가지 사유(思惟)

김종길 | 미술평론가

1. 지극한 상징언어

그의 작가적 순례는 오롯이 개인전에 새겨져있다. 개인전의 주제는 순례의 여정에서 꽃 피운 예술적 향취일 터다. “The Ethereal

Space”(07), “알려지지 않은 신의 얼굴”(07), “I meet with stone-어디서 굴러먹던 돌멩이”(08), “Ethereal”(08), “The Thread,

The Memory”(09), “The Forest of Strayer”(10), “Mind Space”(11). 그 중 나는 “Ethereal”에 주목한다. 그 뜻은 이렇다. 지극

히 가볍고 여린 ; 천상의.

하나의 뜻이 한 작가의 세계 전체를 관통하기는 어렵다. 그 어려움에 진리가 있다. 김순임의 세계도 마찬가지다. 그러나 “ethereal

body”를 에테르체(體)라 하듯이 첫 개인전 “The Ethereal Space”를 에테르간(間)이라 부를 수 있다면, “단순한 물질적 형태로서의

육체에 생명을 부여하는 영자(靈姿:영적 자태) 또는 생명체”의 의미를 그대로 전유할 수 있을 것이다. 즉, 물질적 형태로서의 공간에

생명을 부여하는 영자가 바로 그것. 영자는 작품보다 작품을 둘러싼 공간이나 작품이 설치된 공간에 더 적합하고, 간접적으로는 작가

를 가리킨다. 그러니 그의 미학적 태도는 이미 첫 개인전에서 제시되었다고 볼 수 있지 않을까. 바꿔 말하면 그는 영자의 태도를 가진

영매(靈媒. shaman)와 다르지 않다. 그 이듬해의 “Ethereal”은 영매의 육체를 감추고 영매의 미학적 짓거리를 은유로 드러내는 변

화의 큰 마디이면서 지속이다. 이렇게 볼 때, “The Ethereal Space”는 작품이 탄생하고 설치되고 전시되고 해체되고 사라지는 생로

병사의 자궁이고, “Ethereal”은 생멸(生滅)의 작품에 깃든 지극한 상징언어라 할 수 있을 것이다.

2. 숭고한 미학적 은유

2012년, OCI미술관 레지던시 프로그램에 참여한 김순임의 작업은 “Ethereal”의 ‘지속’에서 읽힌다. 국내외 레지던시에 참여해 온

그는 수 년 간 유목적 삶에 처했다. 그래서 작품 기획이나 프로젝트 기획, 주제 탐색을 위한 목적성과 무관하게 물리적 장소와 공간은

쉼 없이 변화할 수밖에 없었다. 예술적 둥지의 변화를 ‘자리바꿈’이라 한다면, 그는 이 자리바꿈의 변화에 놀라울 정도로 잘 적응했던

것이다. 이번 레지던시에서 그가 보여준 최대의 작품도 ‘작업실-공간’ 그 자체일 것이다. 그는 마치 그 공간에서 십 수 년을 수행해 온

작가인양 ‘공간의 시간성’을 무수히 싹틔웠다. 썩은 나무에 기생하는 수십 수백의 버섯처럼 ‘시간성’은 하나가 아니라 여럿으로 기생했

다. 그는 그 공간에서 스스로 에테르체이자 에테르간이 되었다. 노자 『도덕경』을 옮겨 적은 문자 드로잉이나 울펠팅으로 제작한 얼

굴들, 목탄 드로잉과 인체 모델링 그 외 숱한 작업의 흔적들은 그가 그의 시간을 어떻게 다루고 있는지를 가늠케 한다. 나는 그의 에테

르체와 에테르간을 나무와 자연에 비유할 수 있다고 생각한다. 그것을 구도화하면 다음과 같다.

[자연 : 에테르간 : 작업실 공간 / 나무 : 에테르체 : 작품(혹은 작가)]

그의 몸은 나무의 몸이다. 사유의 시간성은 나무의 가지다. 크고 작은 가지들의 마디마디가 작업실이라는 공간에 붙어있다. 담쟁이덩

굴처럼 붙어서 그것들은 숭고한 미학적 은유가 된다.

3. 개념의 짓거리

덩굴의 뿌리마다 붙어 있는 미학적 은유로서의 “Ethereal”은 어디에서 탄생하는 것일까? 나는 그것을 ‘짓거리’에서 보았다. 짓거리

는 또 무엇인가? 미술하기의 ‘~하기’를 말한다. ‘~하기’는 “무엇무엇하기”로 읽는데, 이때 무엇무엇이란 상상의 씨알에 근거한다. 그

리고 ‘하기’는 과정으로서의 놀이/놀음을 뜻한다. 상상의 씨알을 굴리는 놀이/놀음이 김순임의 짓거리란 얘기.

작업실에서 만난 김순임은 끊임이 없었다. 차를 따르고 과일을 준비하는 ‘만남의 관계성’에서 조차 그는 예술가의 태도를 지속했다. 그

의 작업실에서 ‘나’는 관객이 아니라 포섭된 관계망의 ‘어떤 인물’처럼 느껴졌다. 어느 순간 나 또한 그의 시간성으로 쏙 빨려 들어간 느

낌이랄까. 쟁이든 꾼이든 광대나 무당이 된다는 것은 총체적 예술가가 되는 것을 말한다. ‘짓거리’를 할 정도의 수준에 올랐다는 것은

‘~하기’를 이끌 수 있는 수준에 이르렀다는 것. 그는 놀이/놀음의 판을 작업실에 구축한 뒤 작업을 시작했다.

‘미술하기’는 ‘품’이라는 결과물을 목적으로 하지 않는다. 그것이 어떤 물성이어야 하는 이유도 하등 관계가 없다. ‘미술하기’는 오직 ‘~

하기’를 위해 존재할 뿐이다. 그러다가 간혹 어떤 결과물이 나올 수도 있겠지만, 반드시 그럴 필요는 없단 얘기. 여기서 잠깐, 그렇다면

미술은 무엇인가, 라는 질문이 생긴다. 분명히 ‘~하기’라면 ‘미술하기’의 ‘미술’이 무엇이냐는 것. 나는 그것이 바로 ‘짓’, ‘놀이/놀음’과

관계있다고 본다. 미술은 짓거리 즉 놀이/놀음이다. 개념 없는 짓거리일 수 있고, 개념 있는 놀이일 수 있다. 개념의 안팎을 에두르면서

놀아나는 그 짓거리야 말로 미술의 고유한 본래적 속성이 아닐까? 김순임의 작품들은 바로 거기에 있다.

4. 있는 듯하고 없는 듯하다

그는 어린 시절 어머니께서 목화솜 이불의 호청 갈던 날을 기억한다. 그 기억에서 솜과 광목을 생각해 냈다. 또한 그는 매우 추웠던 해

외 레지던시에서 따듯하고 부드러운 기억을 만들어준 양털을 기억한다. 그 기억에서 양털을 생각해 냈다. 그런 다음 그는 할머니와 어

머니의 방식으로 작품을 만들었다. 스스로에게 침잠하여 오래도록 자신을 바라보게 하는 바느질이 그것이다. 바느질로 가족이나 여행

중에 만난 사람들, 꿈에서 만난 사람들을 탄생시켰다. 무채색의 솜, 광목, 양털로 제작한 그들은 있는 듯 없는 듯 존재한다.

사람들(얼굴들), 돌멩이들, 바늘들, 나뭇가지들, 실들의 세계는 지극히 가볍고 여리다. 그 세계는 실재였으나 기억에 기명된 세계이기

에 그렇다. 기억은 현존과 체험이라는 두 가지 원리로 의식의 안쪽에 생성되는 정신 기능이다. 김순임은 기억의 원리와 본질을 따지듯

한 땀 한 땀 그 세계로 진입하고 구성했다. 하여, 나는 그의 미학적 에테르를 ‘기억의 철학’이라 부르고 싶다. 사회적 사건에서의 ‘개인

주체 살리기’를 기억투쟁의 관점에서 볼 수 있듯이 우리는 개인의 사건에서 발생하는 한 예술가의 기억을 철학적 관점에서 ‘상징투

쟁’이라 부를 수 있을 것이다. 그렇다면 우리는 김순임의 기억의 철학을 상징투쟁으로 읽을 수 있을 것이다. 그리고 그 철학적 뿌리에

서 다시 기억, 주체, 탈자태(탈영자), 이미지, 유사성의 개념들을 추출할 수 있지 않을까?

“재현된 사람들의 얼굴은 지극히 개인적이면서도 보편적이다. 나는 나의 성장과정에서 또는 여행 중에 만난 사람들을 대상으로 작업

했다. 하지만 그들의 모습은 다른 누군가를 닮아 있어서 보는 이들로 그들의 누군가를 연상시킨다. 다시 말해 나에게 기억된 이름을 가

진 사람들이지만, 동시에 누군가의 어떤 이가 되어 그들의 마음을 어루만져줄 수 있는 얼굴들이다.”

2012 '생 날 씨앗들' , 노자와 차를- The space 48 , 대안공간 눈, 수원

2012-05-01T17:02:04+09:00

기억의 덩어리; The Space 49 , Noon, Suwon, Korea, 2012

2012-05-01T16:08:53+09:00

기억의 덩어리; The Space 49 , Noon, Suwon, Korea, 2012

과일을 먹고 남은 씨앗들, 가변설치, 2012

Photo by 김민곤

이 공간은 지난 몇 년간 작업실을 옮겨 다니며 그 작업실 벽이나 창가에 모아둔 것들이다. 주로 작업실에서 먹고 남은 과일씨앗

이나, 꽃이 아닌 잎, 태우고 남은 재이다. 모두 취하고 남겨진 것들이다.

취하고 남겨진 모두를 수집 한 것은 아니라, 살면서 미감을 건드리는 형태나 스토리가 있는 것들을 모은 것이다.

1.초 – 2월 24일부터 촛농이 흘러 전시장에서 매일 스스로 그림을 그린다.

2.찻잎 – 지난 일년간 동료와 마시거나, 작업실에서 마시고 남은 찾찌꺼기를 말린 작은 산

3.지우개

4.꽃잎

5.길 위에서 주운 깃털들

6.테잎 덩어리 – 2006년 이후 작업실을 옮길 때마다 작품을 싸고 풀었던 테잎 들을 모은 덩어리

7. 설치 후 남은, 엉킨 실들을 다시 풀어 감은 덩어리

8. 버려진 실들을 감아 만든 덩어리

모두 작품을 하려고 모은 것들이 아니라 살면서 나온 덩어리들, 조각들, 작은 산들..

Tea with Lao-tzu ; The space 48, Noon, Suwon, Korea, 2012

2012-05-01T15:51:32+09:00

Tea with Lao-tzu ; The space 48, Noon, Suwon, Korea, 2012

Installation materials: Tea cups, water, seeds, paper, light

When I couldn’t focus while in my workroom or wanted to gather up my mind, I would transcribe Lao-tzu’s

Tao Te Ching in the method of copying a drawing.

It was a way of chasing away distractions and emptying the words, rather than studying them.

For the past year, after drinking tea in the workroom, I have gathered the cold leftover tea in an inkstone

and written with it little by little on pieces of paper lying around, as if I was writing a diary.

So that the sacred words become the substance that they are meant to be and not paper and ink, I put

seeds and seedlings together into the tea cup and watered them, making tea with the words of Lao-tzu.

My work is to have the sprouts nourished by the characters infused in this way come together with

‘meanings,’ not as characters but as ‘things,’ in the spring month of March.

Letters are letters, and without the act of watering and caring, they are nothing more than traces on dry

paper; the great and powerful letters said to kill people are, without the will of a person, nothing more than

dirt and nourishment to a tiny sprouted seed.

Time & Tea ; The Space 47-OCI Studio, Suwon, Korea 2012

2012-05-01T15:42:12+09:00

Time & Tea ; The Space 47-OCI Studio, Suwon, Korea 2012

OCI Open Studio, 인천, 2011

2012-04-25T17:35:53+09:00

OCI open studio view photo by 강혁

마카오에서 꿈꾸다. : 38번째 공간- 마카오 2011

A dream in Macau; The Space 38-Macau 2011

가변설치 with Video,싱글체널 비디오(00:04:47)

Moving ‘You’ on the Street : The Space 32 __ New Songdo City , 2010

이동형 솜이불, 광목 잠옷, 몽상노트, 싱글채널 비디오, c-print

설중6경, 인천 신세계 갤러리, 인천, 2011

2012-04-25T17:28:07+09:00

The Space 17-Incheon 2011
variable installation, stone from Incheon, cotton thread, 2011

길 위의 돌멩이들...
   강에선 강의 모습으로
숲에선 숲의 모습으로
   도시에선 지친 도시의 모습을 하고 있다.
   모든 길 위의 구르는 돌은
   그 곳을 함께 구르는 사람을 닮아있다.

자연을 읽다- 마감뉴스 야외전시 , 가평 , 한국, 2011

2012-04-25T17:22:22+09:00

9개의 나는 돌; The Space 29 –가평 2011

무명실, 가평의 돌멩이, 가변설치 2011

9 of Nanun Stone; The Space 29 –Gapyong 2011

Stones from Gapyong, Cotton threads, variable installation, 2011

‘나는 돌’은 내가 돌이요, 돌이 난다는, 중의적 이름이다.

가평상면의 냇가에서 구르던, 작은 돌들은 바람에 흔들리다, 바람이 잦아들면 중력의 힘으로 다시 자기 자리를 찾을 것이다.

이 돌멩이들을 연결시키는 무명실은 고목의 여린 가지에서부터 좁게 흐르는 개천의 수면 위로 이어지고, 그 끝은 땅 위에서

그 무게를 고스란히 지며 살았던 돌멩이들이 물위를 나른다.

Time and Tea ; The space 44-OCI studio. OCI art museum , Seoul, Korea 2012

2012-04-25T16:46:12+09:00

20110401~20111204 ; The Space 44-OCI Studio 2012,
variable installation with a book of 33x48x10Cm,
a book with time and tea, 2012